Puede que la edición 2023 de Animation! Ventana Sur haya terminado, pero los frutos de la sección animada del mercado latinoamericano apenas empiezan a germinar. Esto queda demostrado en las Pitching Sessions, que nos han permitido disfrutar una amplia gama de proyectos animados que tienen todo para triunfar en nuestras industrias. Todos han sacado a relucir las distintas cualidad de los artistas de la región con las más fascinantes historias: de representaciones de la memoria histórica a eclécticas distopías, pasando por road trips cósmicos y sin descuidar las exaltaciones culturales del bloque.

Su futuro es prometedor, pero somos conscientes de que todavía tiene un largo camino por recorrer. Como no podemos esperar, hablamos con los artistas involucrados en los distintos proyectos, quienes nos respondieron dos preguntas relacionadas con sus respectivas obras.

 

1. ¿De qué trata tu proyecto?

Ch’ulel (México)

Ch’ulel es un proyecto de largometraje producido por Fotosíntesis Media que retoma la cosmogonía de una comunidad indígena de Chiapas: los Tzeltales. Para ellos, las personas poseemos dos cosas muy importantes: nuestro Ch’ulel, que es como nuestra alma o nuestro cuerpo astral y que nos permite romper los límites con el mundo físico; y segundo, nuestros Lab, que son animales con los que nos cruzamos en nuestras vidas e inmediatamente creamos un vínculo eterno.

La historia trata sobre Sakbé, una niña tzeltal que vive con su abuela Wanuch en el corazón de los altos de Chiapas y aspira algún día convertirse en una rezadora como su abuela. Cuando la gente de su pueblo comienza a perder a sus Lab, Sakbé emprende una aventura para descubrir los secretos de su Ch’ulel y salvar el futuro de su comunidad.

Es una historia enfocada a niños de 6-9 años y sus familias, que además de presentar a los Tzeltales, también trata temas de autoaprendizaje, amor, el duelo de nuestros seres queridos y la importancia de nuestra relación con la naturaleza. Una peculiaridad del proyecto, es que todos los diálogos de la abuela Wanuch serán interpretados por María Ruíz, una curadora y rezadora de la comunidad, en el dialecto Tzeltal, puesto que para Fotosíntesis Media es importante integrar a quienes nos han ayudado y enseñado sobre el tema que presentamos.

Sarah Emilia Páramo Turpin, directora

 

La veta del diablo (Chile)

La veta del diablo es un film que cuenta historia de Mercedes (16) y José (20), dos hermanos en la época del salitre (1920) en el desierto de Atacama.

En un mundo de avaricia, una adolescente de corazón puro se hace su camino para rescatar el alma de su hermano mayor.

Es un largo que habla del sacrificio y el inmenso poder de los lazos fraternales. Es dirigido al público familiar y a nivel de factura sigue lo ya logrado con Nahuel [y el libro mágico], y lo que nos interesa seguir promoviendo como estudio, que es el 2D. Obviamente está el objetivo de superarnos a nosotros mismos, tanto en la parte técnica como artística, así que esperamos que La veta del diablo represente un crecimiento en todo sentido.

Germán Acuña, director

 

Francisca y el sueño de la tierra (Perú)

Mi historia trata sobre Francisca, una niña que le apasiona bailar porque cree que es lo único que la conecta con el recuerdo de su madre. Le inspiran las danzas tradicionales que, según las sabias ancianas, protegen un pacto ancestral que conecta el mundo de los hombres con el mundo del Uku Pacha, templo de Mapundu, el espíritu de la tierra. El sueño de Francisca es realizar su ceremonia de iniciación en las próximas fiestas del pueblo y continuar con la tradición familiar, pero La Sombra amenaza con destruir el pacto entre ambos mundos con una sequía devastadora y debilitando el corazón de los hombres.

Francisca y el sueño de la tierra es un drama fantástico animado inspirado en la cosmovisión de una cultura ancestral y sobre lo que representaba el arte de la danza para ellos, el cual se conoció con el nombre “danza tierra”. La técnica de animación que estamos utilizando es animación tradicional 2D y cut out, es apta para toda la familia y está en estado de desarrollo.

Merce Castellanos, directora

 

Se Eu Morrer (Brasil, España)

Se Eu Morrer (Si me muero) es una historia de resiliencia, la historia de una sobreviviente Inês Etienne Romeu. Durante los años de plomo de la dictadura brasileña, inicio de los setenta, Inés fue mantenida en la cárcel Casa de la Muerte, uno de los centros clandestinos al servicio del ejército para detener, torturar y ejecutar a oponentes al régimen. Inés fue la única que consiguió sobrevivir y gracias a su coraje y determinación, consiguió tejer una red de apoyo para salvaguardar su vida, investigar e identificar a sus torturadores, desvelar informaciones claves sobre el sistema de represión y sobre compañeros y compañeras desaparecidos, y denunciar públicamente estos hechos, tornándose un símbolo de lucha contra la represión, por la memoria, verdad y justicia.

Para recrear esta historia, además de recurrir al vasto archivo que Inês nos dejó como la gran historiadora y archivista en la que se convirtió, me inspiro en las arpilleras, tapices que surgen en Chile durante la dictadura. Son mujeres humildes que inventan esta forma única de registro en medio de una nación silenciada, una forma de mostrar lo que no puede decirse en palabras, con una materialidad suave y delicada que contrasta fuertemente con las duras narrativas que contiene. Es un homenaje a Inês, a las arpilleristas, y a todas las mujeres que se han dedicado a tejer nuestra memoria y nuestra historia.

Esther Vital, directora

 

Seed (Argentina)

Seed es la primera película animada de la productora Planta Alta, y cuenta la historia de Seed, un pequeño árbol bebé que germina inesperadamente en un invernadero al norte de Argentina y se obsesiona con saber qué tipo de planta es. Para descubrirlo, deberá abandonar la seguridad de su pequeña maceta y adentrarse en el corazón de la selva atlántica. Pero su aventura, a través de la selva más amenazada del planeta, será tan maravillosa como peligrosa.

La película está en etapa de desarrollo.

Andres Sehinkman, director

 

Walala (Brasil)

Esta es la historia de una niña indígena que desea descubrir la verdad sobre ella y su mundo. Esta narrativa tiene lugar en lo más profundo de Brasil, en una región conocida por ser el mayor productor mundial de soja, maíz y algodón. Estamos hablando del estado de Mato Grosso, ubicado en la parte occidental del país, entre el Pantanal y la Selva Amazónica.

Esta expansión agrícola tiene enormes costos ambientales y sociales, porque Mato Grosso también alberga decenas de tradiciones y pueblos autóctonos diferentes, y este patrimonio cultural atraviesa un proceso de etnocidio desde siempre. No obstante, estas naciones lucharon y han sobrevivido para contar sus historias. Walala es una de ellos.

Perseu Azul, director

 

Astropackers (Colombia)

Astropackers es una serie que combina comedía de aventuras y road movies a través de coloridos personajes 2D sobre fondos surrealistas en 3D. La serie cuenta un viaje mochilero a través de una galaxia de personajes extravagantes malentendidos cósmicos y la aventura de vivir en las carreteras espaciales sin planes ni dinero.

Lo que más nos emociona de la serie es que está inspirada en nuestros propios viajes, en particular uno largo que hicimos en 2018 a través de Sudamérica. Fue ahí donde nació la serie. Estrenó su episodio piloto en septiembre de 2022 en Cartoon Network Latinoamérica, actualmente tenemos un desarrollo adelantado de la serie y estamos buscando producir su primera temporada.

Luisa Fernanda Velázquez, directora y productora

 

Bolla (México)

Es una serie de animación 2D, dirigida a niños de 5 años en adelante. El tema central es el cuidado y protección de la madre tierra.

Bolla, la gigante más poderosa de luz ha desaparecido, los otros gigantes se encuentran debilitados. Por esto juntan a un pequeño equipo de personajes PUC, Carmín y Abuelito, que se encargarán de encontrar el lugar correcto para que la semilla de Bolla vuelva a crecer sana y comience un nuevo ciclo de vida.

Nos encontramos en la etapa de desarrollo escribiendo las historias, buscando una coproducción internacional y más gente creativa que se guste unir a nuestro proyecto.

Ariadna Galaz, directora

 

Cais (Brasil)

Es una serie animada en 3D, encantadora e imaginativa, que sigue las aventuras de Ben, un bebé en crecimiento que explora un mundo exótico. Cais es un lugar de fantasía inspirado en la conexión que tienen los padres o cuidadores y los bebés en crecimiento. Realmente demuestra el amor que se dan, incluso antes de la primera vista. Por ejemplo, muchas madres cantan a sus bebés en el útero.

La peculiaridad de la serie es que Ben puede conectarse con un árbol majestuoso llamado Madre Flora, a través del cual puede transformarse en cualquier cosa. Lo acompañan dos amigos inseparables, Mica y Maho. Son seres imaginarios, que acaban de salir al mundo portuario. Están inspirados en la idea de las células madre. Ambos también pueden transformarse, pero mientras Mica tiene miedo de transformarse, Maho se transforma todo el tiempo, casi frenéticamente. Así aprenden sobre la transformación que están pasando, así es como el público se relaciona con nuestras historias, ya que los niños también viven en un estado de transformación constante, aprendiendo sobre sus sentimientos, conflictos y emociones.

El público objetivo es un niño en edad preescolar y también resulta atractivo para que padres y cuidadores lo vean juntos.

Bruno Bask, director

 

Contos de Mungará (Brasil)

Un jaguar y un niño se encuentran en un bosque encantado fuera del tiempo. Tras un distanciamiento inicial, se hacen amigos y juntos buscan encontrar los secretos ocultos del lugar. A lo largo de los episodios vemos al jaguar compartir historias del bosque y otros animales y a través de sus perspectivas únicas y encuentros inesperados estos amigos viven grandes aventuras de autodescubrimiento y aprendizaje. El público objetivo de la serie son niños de cinco a siete años. Cada episodio tiene una duración de siete minutos.

La estética de la serie deriva del trabajo del artista visual Guilherme Lira, quien trabaja con diferentes medios, mezclando técnicas analógicas y digitales. La serie estará animada en recorte digital 2D más animación completamente tradicional. Como las ilustraciones derivan de procesos manuales y artesanales, queremos absorber algunos de estos procesos y texturas para capturar su organicidad en la animación.

Nara Aragão, Renata Roberta Azevedo, directoras

 

Electro Andes (Argentina)

Es una antología de cortos animados que fusiona la mitología andina con un cyberpunk distópico. En un futuro imaginado encontramos Arcadia Iruyana, un antiguo pueblo que vive en equilibrio con terribles dioses de las montañas. Hasta que llega una compañía minera y descubre un mineral que desata una fuerza maligna, transformando el pacífico lugar en una distópica zona militarizada. B

ajo un mismo arco dramático, cada corto emplea distintas técnicas que van desde la animación 2D y el CGI hasta el stop motion. Apuntamos a un público adulto amante del anime y la ciencia ficción. Tenemos la preproduccion del piloto en marcha con vistas a producir toda la serie.

Ignacio Malter, productor

 

Knightmares (México)

Knightmares sigue la historia de Liz, una miedosa adolescente que decide deshacerse de sus miedos con un hechizo mágico. El hechizo funciona, y termina despertando a un terrible monstruo con el poder de despertar los miedos de otros estudiantes. Básicamente, es un show de monstruo de la semana, donde cada episodio veremos un miedo diferente. Desde miedos tontos como el miedo a parecer tonto frente a tu clase, hasta cosas más densas como el miedo a ser abandonado y perder a tus amigos.

Juan Sotelo, creador

 

Es una historia sobre el miedo. Todos tenemos miedo, y está bien tener miedo, pero no tenemos que enfrentar esos miedos solos.

Alberto Arvizu, productor

 

Buscaba reflejar la mexicanidad sin caer en el estereotipo. Queremos mostrar un México más cercano a nuestra realidad. Menos pirámides, más secundarias técnicas; la experiencia del mexicano promedio.

Antía Calderón, directora de arte

 

Love Quest (Perú)

Es un proyecto de serie animada 2D de 26 capítulos, once minutos cada uno, y el cual está dirigido a audiencias desde los once años a más. Es la historia de tres seres mágicos que vienen de otra dimensión a la nuestra con la misión de encontrar el amor para poder volver a su hogar. El problema es que no saben lo que es el amor, como se ve o si realmente existe.

En Love Quest podremos divertirnos viendo a Dee, una demonio del Inframundo, Vee, una princesa koala nube y a Sy, un torpe pandicornio buscar el amor en los lugares equivocados.

Grace Cárdenas Cano, directora

 

2. ¿Qué aporta el proyecto al panorama animado contemporáneo?

Ch’ulel (México)

El proyecto aporta una mirada mucho más actual en cuanto a las narrativas relacionadas con las comunidades indígenas en México. Buscamos tanto informar sobre la diversidad de estas comunidades como mantener cada detalle de su cultura, usos y costumbres como son hoy en día. Evitando por completo caer en tonos de lástima o desamparo, la comunidad tiene muchos aprendizajes y mensajes que valen la pena retomar en nuestro día a día.

Y por otra parte, más en el tema visual, estamos desarrollando un estilo diferente a la línea que se lleva por lo general, trabajando con artistas multidisciplinarios, desde ilustradores, artistas de cómic, animadores con un ‘background’ más cercano al estilo experimental o independiente. No es un proyecto que sigue las convenciones mainstream de diseño de personajes o fondos.

Sarah Emilia Páramo Turpin, directora

 

La veta del diablo (Chile)

Creo que la importancia primera de toda obra artística es simplemente existir, porque inevitablemente va a traer una voz propia, y es el público y la historia quienes determinarán su impacto o aporte cultural. Considero que las simples ganar de “hacer” son suficiente justificación para la creación y creo en la libertad del impulso creativo como fuerza motora primordial. Por tanto, me cuesta hacer ese análisis un poco autorreferente de cuáles serían estos supuesto valores únicos de mi obra en comparación a otras.

Cumplo con el objetivo personal de hacer un trabajo con el mayor compromiso y respeto por el medio posible. Y mi público primario soy yo, probablemente mi yo de diez o doce años. Es él quien muchas veces guía mis decisiones creativas. Pienso que si a mí me gustaría algo, probablemente habrá gente que también resuene con esto. Por tanto mi forma de aportar es simplemente siendo honesto conmigo mismo. Dentro de lo posible al menos, a veces no es un ejercicio fácil.

Germán Acuña, director

 

Francisca y el sueño de la tierra (Perú)

Aunque la historia parece responder al viaje de una heroína en la que la protagonista desea algo y hace lo que necesita para cumplir su objetivo y encontrar el bien común, en esta historia se rompen algunas reglas.

En este caso nuestra protagonista vive sus tradiciones y está conectada con su tierra, y quiere ayudar a su pueblo, pero nada se le compara cuando conecta con el recuerdo de su madre a través del espíritu de la tierra, este sentimiento tan poderoso de ver y sentirla en el Uku pacha es más grande que todo lo que alguna vez soñó. Elegir el Uku pacha al mundo de los hombres, es inédito. Es una propuesta arriesgada, pero que no defrauda, porque todos empatizamos con los anhelos de una niña que desea estar al lado de su madre.

Cuando empecé a escribir Francisca y el sueño de la tierra no sabía que me llevaría al encuentro con mis propias raíces. El nombre de Francisca tiene mucho carácter, propio de mujeres del campo de una cálida región del norte peruano, y evoca rápidamente una época anterior al siglo XXI. Esa es la historia que quiero contar, un drama fantástico animado, inspirado en la cosmovisión de una cultura ancestral, y lo que representó el arte de la danza para ellos. Este capítulo me inspiró y se volvió una hermosa metáfora para representar el inicio de la vida y el cierre de un ciclo. La iconografía de las antiguas civilizaciones transformó cada viaje que hacía a los pueblos en mi infancia junto a mi familia. Así empezó a cocinarse este proyecto que llevo investigando desde hace varios años.

Francisca y el sueño de la tierra es un retrato de nuestra sociedad a pesar de estar ambientada a inicios del siglo XX. Creo que es una historia que empatiza con los miedos y ambiciones más primitivas del alma humana sin importar nuestro lugar de origen. Está contada desde los anhelos y cosmovisión de una niña de pueblo que vive obsesionada por sentir y conocer el amor de una madre, tema sobre el que versa este relato.

Esta historia tiene un título con gran carga simbólica: Francisca y el sueño de la tierra no solo trata sobre el boom industrial que tienta con el progreso, sino sobre el estado de ánimo que esto genera en una sociedad cuando le proponen rendirse y perder su identidad. Quiero contar la historia de una danza que da vida, la que vive dentro de ti, y elijo como referencia un verso del poema español Vuelve golondrina, de María Valvanera: “Esta es la danza que despierta cada primavera para callar a la sombra del mundo y decirle que la vida no miente”.

En cuanto a las técnicas de animación creo que es el momento ideal para explorar las posibilidades que la animación tradicional y el cut out ofrecen.

Merce Castellanos, directora

 

Se Eu Morrer (Brasil, España)

Creo que su poder radica en que es un abordaje histórico único, que conecta con la audiencia y las nuevas generaciones sin perder su fuerza narrativa y documental. Aborda la memoria de una forma subjetiva y nos muestra lo que lo no podría ser contado de otra manera. Explorar y transbordar los límites del lenguaje documental, colocando en el centro el valor del testimonio y usar la animación y la estética como elementos narrativos, que nos ayuden a aproximarnos de esos lados oscuros de nuestra historia que como sociedad muchas veces quisiésemos olvidar.

Inês nos desvela un sistema de gobierno represivo que sirvió de modelo para las dictaduras que se siguieron en el cono sur, pero que sigue presente en nuestros días en muchas partes del mundo. Estamos en un momento crítico donde movimientos autoritarios y fascistas están resurgiendo y la narrativa del pasado está constantemente en disputa. Para mí este proyecto es una forma de contribuir a la memoria colectiva, me propongo a crear, recuerdo a recuerdo, puntada a puntada y fotograma a fotograma, marcas de memoria resistentes al olvido.

Esther Vital, directora

 

Seed (Argentina)

Es la primera película protagonizada por plantas. Así como la animación ha sabido darle vida a todo tipo de universos, las plantas, que son la base de nuestra propia vida, han pasado casi desapercibidas. En el contexto de la crisis climática y ambiental, Seed conecta a los chicos y las familias con el mundo natural, la importancia de los ecosistemas y cómo el planeta es una red de vida que funciona a partir de las plantas.

Seed enseña, abre preguntas, emociona y divierte. Al mismo tiempo, la película transcurre en uno de los lugares más hermosos del mundo, la selva atlántica y las Cataratas del Iguazú, una de las siete maravillas del mundo. La riqueza cultural, la naturaleza y los paisajes únicos de esta región que conecta a Argentina, Brasil y Paraguay, son parte de la identidad de la película y uno de los grandes valores que la película presentará ante el mundo.

Andres Sehinkman, director

 

Walala (Brasil)

El estado de Mato Grosso nunca ha producido un largometraje de animación, ojalá sea el primero. Esta historia es única en otros tres aspectos: primero, su universo, que representa una agrodistopía. Otro rastro de singularidad es la relación mediada del protagonista con el mundo real, que ocurre a través de un videojuego, esto le da a esta historia el poder de llegar a audiencias que hoy en día son ajenas a todos los problemas ambientales que la humanidad tiene que enfrentar. Por último, y más importante, nuestra protagonista: es una adolescente indígena sin estereotipos, porque combina el impulso de descubrir su ancestralidad con una mirada al futuro, aportada a la historia en su singular comprensión y uso de la tecnología que la rodea.

Perseu Azul, director

 

Astropackers (Colombia)

Aunque esta pregunta es un poco difícil de responder teniendo en cuenta la gran calidad del contenido latinoamericano actualmente, nos parece que Astropackers propone un punto de vista muy personal sobre cómo podemos reconocernos en el otro y dejar de lado las etiquetas de trabajo o profesión que solemos tener al hablar y que, en ocasiones creemos que es lo único que nos define olvidando quienes somos realmente.

En un viaje como el de nuestros personajes (o como el que nosotros mismos hicimos) este es un cuestionamiento que aparece a diario cuando te enfrentas a situaciones nuevas, conoces gente que parece salida de la ficción y ves la naturaleza de una forma que nunca lo habías hecho.

Además de esto, a nivel técnico Astropackers tiene una propuesta visual y narrativa que se alimenta de todos los paisajes y culturas que conocimos durante nuestro viaje.

Luisa Fernanda Velázquez, directora y productora

 

Bolla (México)

Jorge [Peralta, director] y yo somos muralistas mexicanos dedicados a la pintura desde hace ya nueve años. Las historias que buscamos contar en animación han sido las historias que se ha ido construyendo desde hace nueve años en los muros.

Desde el primer muro que pintamos ya estábamos hablando de temas ecológicos. Este universo se ha desarrollado desde cero en los murales que hemos pintado alrededor del mundo. Es un universo en el cual existen gigantes de luz y pequeños. Buscamos hacer esta serie introductoria a nuestro universo para después desarrollar las historias personales de cada uno de los personajes en largometrajes o cortometrajes.

Creo que lo que lo hace único es la forma en la que nacieron estas historias y que buscamos que la forma tan especial que tenemos al pintar mantenga la misma esencia en animación. Creemos que hemos llevado el mensaje de Bolla en los murales por todo el mundo y creemos que es momento de que ese mensaje tenga su propia voz y se difunda a través de la animación.

Ariadna Galaz, directora

 

Cais (Brasil)

El concepto de animación es para todos, ya lo sabemos. Pero es muy importante que los adultos vean la película junto con sus hijos y se diviertan. La mayoría de adultos sólo utilizan las series animadas para ganar tiempo para hacer otra cosa. Cais quiere generar más conexiones entre ellos. Más allá de eso, es muy importante que sepan realmente lo que sus hijos ven y aprenden.

Además, a través de muchos canales digitales, canales de televisión, bombardeamos diariamente con contenido nuevo para niños. Y muchos de ellos tienen la misma trama, por lo que creamos Cais como un intento de traer un contexto y un lugar diferentes. Es un lugar antes del nacimiento, donde tenemos la licencia poética para tener un nuevo mundo inventado a través de la animación. Un mundo que ayuda a Ben, como a cualquier niño, a explorar. Su transformación en cualquier cosa le ayuda a comprender sus conflictos y sentimientos. Y lo mismo ocurre con el público de padres, ya que ellos se transforman a través de la crianza (lo puedo decir por mi cuenta).

Bruno Bask, director

 

Contos de Mungará (Brasil)

En primer lugar, Contos de Mungará propone la ampliación del repertorio estético de los niños, con una mezcla de elementos latinoamericanos de la biodiversidad y una colección de referencias simbólicas de nuestro patrimonio cultural. Un universo creado en colores tropicales para estimular la alegría, la fantasía y la imaginación y sugerir momentos de contemplación.

También pretendemos proponer algo que estimule a los niños a buscar el autoconocimiento, incluso si ocurre a través de procesos involuntarios, a través de provocaciones filosóficas, preguntas existenciales para los niños de una manera ligera y divertida. Sentimos que este proceso comienza por ofrecer un ambiente divertido y saludable donde los niños se sientan cómodos siendo ellos mismos y ejerciten la aceptación de sí mismos y de los demás.

Hemos visto a niños pequeños bombardeados constantemente con contenidos de animación muy parecidos entre sí, y que apuestan por el exceso de estímulos e información como trampa para captar la atención de un público tan buscado. Proponemos una nueva forma de ofrecer entretenimiento, con contenidos originales, divertidos y con referencias que valoren la identidad y representatividad de los niños brasileños, además de estimular el pensamiento crítico sobre sí mismos y su ser en el mundo.

Nara Aragão, Renata Roberta Azevedo, directoras

 

Electro Andes (Argentina)

Electro Andes ofrece una perspectiva latina única a través de la colaboración de un equipo de directores que van desde México hasta Buenos Aires, reconocidos por su trabajo en producciones como Across the Spider-Verse y Scavengers Reign.

La serie propone explorar el significado cultural del anime para Latinoamérica, evocando clásicos como Akira o Ghost in the Shell, e incluyendo matices de obras occidentales como Aeon Flux, Cybersix, y Arcane. Uniendo la mitología andina con el imaginario cyberpunk, Electro Andes resalta cómo muchos de nuestros mitos recuerdan que la ambición sin sabiduría puede traer oscuridad, una noción palpable en su trama que enfrenta a una comunidad con las consecuencias de la explotación de recursos naturales así como la minería de litio en los Andes, una industria que es piedra angular de la tecnología moderna trae consigo una estela de reclamos sobre garantías sociales y ambientales.

Simultáneamente, la serie aborda la preocupación actual de como la tecnología avanza rápidamente mientras la empatía queda rezagada, invitando a la audiencia a reflexionar sobre cómo la inteligencia artificial y los implantes cibernéticos podrían redefinir lo que es esencialmente humano. Electro Andes propone ser un eco de estos dilemas dejando así su marca en la historia de la animación de la región.

Ignacio Malter, productor

 

Knightmares (México)

Es un proyecto que invita a vulnerarte. Hablamos de temas muy sensibles para los niños y abordamos el miedo no como algo que hay que evitar, sino como algo que tenemos que enfrentar.

[El artista nos pide agradecer al equipo integrado por Alberto Arvizu (productor), Antía Calderón (directora de arte), Luis Trujillo (arte), Roberto Zapata (arte), así como a Demente Studios]

Juan Sotelo, creador

 

Love Quest (Perú)

Love Quest es una exploración del amor, en todas sus formas. En los medios, el amor romántico siempre ha tenido más relevancia, tanto en series, libros, películas, incluyendo contenido animado. Con cada aventura, Dee, Vee y Sy aprenden algo nuevo del amor y más adentrada la serie, entenderán que no hay una sola manera de amar y todas son igual de importantes.

Grace Cárdenas Cano, directora